Lenin-Jackenbild: Was ist die Geschichte?

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Was ist die Geschichte hinter diesem Foto?

Wann wurde dieses Foto aufgenommen? Wer sind die Modelle?

Dieses Foto, an vielen Stellen im Internet, sogar in diesem Artikel auf "Chinesische Wikipedia", wird als Beispiel für eine Lenin-Jacke (列宁装) gezeigt. Sie wird als Beispiel für eine besondere Art von Mode gezeigt, die Lenin-Jacke. Anscheinend waren die 1950er Jahre starken sowjetischen Einflusses, der sich bis in den Bereich der Damenmode erstreckte. Nach dem, was ich gelesen habe, war dies ein Modetrend, der für die chinesische Modernisierung wichtig war.

Hier die konkreten Fragen:

  1. In welchem ​​Jahr wurde dieses Foto aufgenommen?
  2. Was ist der Kontext dieses Fotos? (z. B. Mode, Arbeitsfoto, Uniformen, Nachrichtenartikel, persönliches Foto)
  3. Wer waren die Leute? (Modemodelle?, Mitarbeiter?, Kader? Namen, wenn möglich)
  4. Wurde es veröffentlicht? Wenn ja, wo?
  5. Wann kursierte es im Internet?
  6. Wie ist sein Urheberrechtsstatus?
  7. Wo wurde es aufgenommen? Im Studio mit Kulisse oder draußen? In welcher Stadt, in welchem ​​Land?

Bearbeiten: Bitte beachten Sie, dass diese Jacke mit dem Namen "Lenin Jacket" und Vladimir Lenin sind völlig unabhängig, außer ihrem Namen. Es ist der Name einer Jacke. Es hat auch nichts mit John Lennon von den Beatles zu tun.

Außerdem frage ich nicht nach Wladimir Lenin oder nach chinesischer Damenmode; der Link in der Frage zu Antonia Finnanes Buch bietet eine Menge Informationen über Lenin-Jacken und andere chinesische Modethemen. Es stehen viele andere Ressourcen zur Verfügung. Diese Frage bezieht sich speziell auf dieses spezielle Foto.

Zusatzinformation:

Dieses Foto zeigt eine Frau in einer hellen Leninjacke, ebenso wie dieses Foto. Sie zeigen deutlich, dass es sich nicht um einen Mao-Anzug handelt. Er schließt an einer von der Mitte versetzten Position und hat einen anderen, feminineren Schnitt als ein Mao-Anzug.


Wurde es veröffentlicht? Wenn ja, wo? Wann kursierte es im Internet?

Die früheste Quelle, die ich finden konnte, stammt aus einer Geschichte, die auf roll.sohu.com veröffentlicht wurde. Es ist eine Geschichte über den Lebensstil der Chinesen in den 1950er und 1960er Jahren.

Wo wurde es aufgenommen? Im Studio mit Kulisse oder draußen? In welcher Stadt, in welchem ​​Land?

Die Geschichte erwähnt einen Ort namens Nanjing, eine chinesische Stadt. Es wird nicht gesagt, ob es dorthin gebracht wurde oder nicht.

In welchem ​​Jahr wurde dieses Foto aufgenommen?

Laut einer von der Korean Society of Clothing and Textiles veröffentlichten Zeitschrift wurde es in der Anfang der 1950er Jahre.

Referenz: Zeitschrift der Koreanischen Gesellschaft für Bekleidung und Textilien - Vol. 2, No. 39 , Nr. 4


Wer waren die Leute? (Modemodelle?, Mitarbeiter?, Kader? Namen, wenn möglich)

Das Journal oder die oben zitierte Geschichte sagen nichts darüber aus, wer die Leute waren.

Was ist der Kontext dieses Fotos? (z. B. Mode, Arbeitsfoto, Uniformen, Nachrichtenartikel, persönliches Foto)

Die Geschichte hat detaillierten Kontext des Fotos. Darüber hinaus hat Georgetown.edu einen ausführlichen Bericht über den Kontext des Mantels. Es sagt:

Lenin Coat war in den 1950er Jahren in China besonders beliebt. Es ist eine Variante des Anzugs mit offenem Kragen und zweireihigem Anzug. Eine ähnliche Art von Anzug war in Europa üblich und wurde in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu einer konservativen Wahl. Aber es war eine neue Mode, als es während des Zweiten Chinesisch-Japanischen Krieges und des Chinesischen Bürgerkriegs zum ersten Mal in China eindrang.

Russen nennen diese Art von Mantel nicht „Lenin-Mantel“. Das Wort wurde von Chinesen bezeichnet. Denn Lenin trug diese Art von Mantel während der Oktoberrevolution. Nimmt man das Bild von Lenin Coat nur als Signifikant, teilen Chinesen und Russen ein ähnliches System erster Ordnung (Allen, 42). Aber das semiologische System zweiter Ordnung (Allen, 43) ist deutlich anders.

In Russland wurde dieser Mantel nicht besonders mit dem bolschewistischen Geist in Verbindung gebracht. Aber Chinesen hoben das Bild, um Respekt vor einer bestimmten Ideologie zu zeigen. Ich vermute, in einer historischen Periode wollten einige Leute diese Bedeutungsebene betonen und das Wort „Lenin“ verwenden, um den Mantel zu benennen, was wiederum das System erster Ordnung des Wortes veränderte.

Link zum vollständigen Bericht.


Sozialistischer Realismus

Sozialistischer Realismus bezeichnet im Allgemeinen den formal realistischen, thematisch artifiziellen Malstil, der in Russland in den Jahren nach der kommunistischen Revolution von 1917, insbesondere nach der Machtübernahme von Josef Stalin 1924, entstand. Der Begriff umfasst auch einen Großteil der bildenden Kunst in anderen kommunistischen Nationen von dieser Zeit an sowie verbundene Bewegungen in Bildhauerei, Literatur, Theater und Musik. Russland hatte eine stolze Geschichte der realistischen Malerei als Gesellschaftskritik, insbesondere durch die Arbeit von Peredwischniki-Künstlern wie Ilya Repin, und war auch an der Spitze der Entwicklungen in der Avantgarde-Kunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Aber als die Realitäten der sozialistischen Herrschaft in der UdSSR zu beißen begannen, waren Künstler zunehmend gezwungen – oft unter Androhung von Inhaftierung oder Tod – positive, propagandistische Bilder von politischen Führern, kulturellen Ikonen und alltäglichen Bedingungen in der neuen Sowjetrepublik zu präsentieren. Anfänglich begabte und kühne Künstler wie Isaak Brodsky und Yuri Pimenov einschlossen, war der Sozialistische Realismus in den 1940er Jahren ein erstickendes Paradigma, in dem jede politische Kritik und offensichtliche formale Experimente ausgelöscht wurden. Nichtsdestotrotz kanalisierte sie weiterhin die Aktivitäten technisch begabter Künstler, Schriftsteller und sogar Komponisten - Sergej Prokofjews Kantate von 1939 Zdravitsa, das zu Stalins 60. Geburtstag komponiert wurde, wird trotz seines schamlos propagandistischen Librettos und unappetitlichen politischen Subtexten immer noch als bedeutendes Werk anerkannt. Dies ist eines von vielen faszinierenden Beispielen dafür, was passiert, wenn ein totalitäres Regime versucht, seine Kontrolle über alle kulturellen Ausdrucksformen auszudehnen.


Sozialistischer Realismus: Konzepte, Stile und Trends

Das künstlerische Modell des Sozialistischen Realismus war kompromisslos und vom Staat vorgegeben. Der sozialistische Realismus muss im Geiste optimistisch sein, im Stil realistisch und offensichtlich die sowjetische Sache unterstützen. Oft wurde von Werken erwartet, dass sie einen einzelnen Helden der neuen Republik verehren, sei es eine staatliche Galionsfigur oder, wie es häufiger der Fall war, ein zur Berühmtheit erhobenes Mitglied der Arbeiterklasse wie Alexey Stachanov, der Rekord- brechender Bergmann, auf dem George Orwells Charakter Boxer the Horse (aus Tierfarm) basiert. Innerhalb der engen stilistischen und thematischen Parameter der stalinistischen Ästhetik fanden talentierte und erfinderische Künstler jedoch weiterhin minimale Möglichkeiten, sich auszudrücken.

Optimismus

Der sozialistische Realismus war erforderlich, um ein höchst optimistisches Bild vom Leben im Sowjetstaat zu vermitteln. Dies war der entscheidende Unterschied zwischen dem Sozialistischen Realismus und dem Sozialen Realismus, der größeren Bewegung, die ihn beeinflusste und bis zu einem gewissen Grad einverleibte Lastkahntransporter auf der Wolga (1870-73). Im Gegensatz dazu war die Härte, die durch die stalinistische Herrschaft – und tatsächlich durch den Bürgerkrieg 1917-22 – ausgelöst wurde, kein akzeptables Thema für Kritik: Künstler mussten bei der Wahl und Darstellung des Themas konsequent bleiben.

1928 startete Stalin zum Beispiel den ersten seiner Fünfjahrespläne, der darauf abzielte, die gesamte wirtschaftliche Produktion unter die Kontrolle des Staates zu bringen. Dazu gehörte die Massenkollektivierung der Landwirtschaft durch das Kolchosen-Programm, die zu einer weit verbreiteten Hungersnot und einem Rückgang der landwirtschaftlichen Produktivität führte. Während ein Sozialrealist im Stil der Peredwischniki-Künstler dies höchstwahrscheinlich berichtet hätte, musste der Sozialistische Realist die Tugenden und die erfolgreiche Umsetzung der Kollektivierung rühmen. Zwangsbeschlagnahme von Land, Vieh und Feldfrüchten, Hunger und psychische Traumata: All diese Realitäten wurden mit der Airbrush vom Tatort entfernt. An ihrer Stelle finden wir helle Farbpaletten und aufmerksame, wohlgenährte Bauern, die sich mit Fleiß und Souveränität an die anstehende Aufgabe anpassen, wie in Gregory Ryazhskys Der Teamleiter der Kollektivwirtschaft (1932). Bei einer großzügigen Analyse waren diese Bilder ambitioniert und zeigten das Leben im modernen Russland nicht so, wie es war, aber man könnte ebenso sagen, dass diese Werke den stilistischen Anstrich des Realismus beibehielten, während sie die Realität als Gegenstand aufgaben.

Realismus

Als Kazemir Malewitsch seine berühmte Schwarzes Quadrat 1913 verkörperte er einen Geist der radikalen Abstraktion, der damals über Russland und den Westen hinwegfegte. In den frühen Tagen der Sowjetrepublik fand dieser Geist noch Ausdruck, teilweise weil trotzkistische Fraktionen innerhalb der Regierung weiterhin die Tugenden der Abstraktion rühmten und argumentierten, dass die kommunistische Kunst die Lehren des bürgerlichen Experiments aufnehmen müsse, um die Konventionen der Arbeiterklasse zu überwinden , und werden so 'klassenlos'. Als Stalin jedoch an die Macht kam, wurde jede solche Nuance in der Kulturdebatte zugunsten eines blutigen Pragmatismus aufgegeben: Künstler, Bildhauer, Fotografen und Filmemacher boten idealisierte Bilder von politischen und kulturellen Führern und vom Alltag im neuen Russland, im konventionell "realistischste" Weise möglich. Der sozialistische Realist musste lernen, aus dem Leben zu zeichnen und zu malen, in einer sehr linearen und genauen Weise. Manche Malerei war so lebensecht, dass sie gewissermaßen der Farbfotografie glich, formale und stilistische Überlegungen wurden ganz aufgegeben.

Boris Ioganson, ein führender offizieller Künstler der stalinistischen Zeit, fasste den Zeitgeist zusammen, indem er feststellte, dass der Ort der Kreativität im Sozialistischen Realismus nicht in der Technik der Komposition, sondern in der "Inszenierung des Bildes" liege. Die Aussage ist intelligent und erhellend, aber der Widerspruch im Zentrum dieser Version des Realismus wird deutlich in seiner Verwendung des Wortes "Inszenierung" und wird in Werken wie Aleksander Deynekas Stachanoviten (1936), das die ideale Gemeinschaft russischer Arbeiter darstellt. Das Wort "Stachanowit" ist eine Anspielung auf Alexej Stachanow und weist auf einen unermüdlichen Arbeiter für die sowjetische Sache hin - eher visionär als Allegorie denn als Werk des Realismus. Eine Prozession von großen, glücklichen, gesunden Arbeitern in Weiß erscheint vor dem Palast der Sowjets, einem Gebäude, an dem mit dem Bau des Gemäldes noch nicht begonnen wurde, es im folgenden Jahr begann, aber durch die deutsche Invasion in Russland beendet wurde 1941.

Der Held

Leitung von Alexander Deyneka Stachanoviten ist Alexey Stakhanov selbst, der 1935 als Bergarbeiter erstaunliche Rekorde aufgestellt haben soll, als er 102 Tonnen Kohle in einer einzigen Schicht verarbeitete (es wurde später vorgeschlagen, dass er dies mit einem Team von Assistenten im Rahmen einer inszenierten Propagandaübung tat ). Stachanow wurde zu einer nationalen Berühmtheit, zum Aushängeschild eines Produktivitätskults erschien er sogar auf dem Cover von Zeit Magazin im Dezember 1935. Stachanow wurde als der vorbildliche "Neue Sowjetmensch" verehrt, die Art von Figur, auf deren Schultern die Zukunft der UdSSR gebaut werden sollte: gesund, muskulös, selbstlos und enthusiastisch, mit einer kompromisslosen Arbeitsmoral. Proletarische Helden wie Stachanow finden sich überall auf den Gemälden des Sozialistischen Realismus, von Fabrikarbeitern und Wissenschaftlern bis hin zu Bauingenieuren und Landarbeitern, die alle den gleichen Geist des individuellen Willens verkörpern, der auf kollektivistische Ideale ausgerichtet ist. Dies war natürlich ein weiteres Paradox im Kern des Sozialistischen Realismus: dass die Errichtung einer kollektivistischen Gesellschaft eine quasi-religiöse Verehrung des Individuums erforderte.

Dieselbe Ironie ist in der Darstellung der Führer des neuen Staates zu spüren. In einem Muster, das sich während des 20 . Viele dieser Arbeiten wurden von talentierten Malern wie Isaac Brodsky angefertigt, der in den späten 1920er und 1930er Jahren mehrere Gemälde von Lenin während der Schlüsselphasen der Russischen Revolution komponierte, wie z Wladimir Lenin 1. Mai 1920 (1927). Diese gehören heute zu den stilvollsten Denkmälern des Personenkults, der während der Ära des Sozialistischen Realismus um Lenin und Stalin entstand.

Unterstützung für den Staat

In den 1930er Jahren waren die Galerien der Sowjetunion mit politischen Porträts geschmückt, darunter von den beiden großen Führern des Staates, Lenin und Stalin. Wenn die etatistische Botschaft hinter solchen Arbeiten offen war, wurde die subtilere Propaganda des Sozialistischen Realismus in Form von Genrebildern und Stillleben betrieben, die keinen expliziten Bezug zu politischen Themen hatten. Werke wie Ilya Mashkovs Sowjetische Brote (1936) stellt die Fülle des Alltags im kommunistischen Staat dar. Mashkov zeigt Brote in allen Formen, Formen und Größen, die unter einem traditionellen Maisschmuck um einen mit Hammer und Sichel eingeschnittenen Zierlaib um Aufmerksamkeit wetteifern.

Die verschiedenen Subtexte von Mashkovs Bild fassen einige der Paradoxien der Ästhetik des Sozialistischen Realismus zusammen und weisen auf den Keim der Kreativität hin, der darin steckt. Das Zugeständnis an die russische Volkskunst in Mashkovs selbstbewusst naiver Komposition spiegelt seine Verbindung zu radikalen Malern der vorrevolutionären Zeit wie Mikhail Larionov wider, einem der Künstler, mit denen Mashkov 1910 in Moskau die Gruppe Jack of Diamonds gründete Diese Gruppe war für die Definition vieler Prinzipien verantwortlich, die mit dem Neoprimitivismus verbunden waren. Mashkovs Überleben als Künstler in Russland bis zu seinem Tod im Jahr 1944 deutet somit auf die überraschende Bandbreite stilistischer Einflüsse hin, die der Sozialistische Realismus gelegentlich zugab, vorausgesetzt, sie wurden in die richtige Richtung gelenkt Richtung. Gleichzeitig ist die unbewusste Ironie des Entstehungsdatums dieses Gemäldes nicht zu übersehen: am Ende der Kollektivierung, die weite Teile der ländlichen Armen Russlands in Hungersnot gebracht hatte.

Sozialistischer Realismus außerhalb der Sowjetunion

Als Stalins internationale Politik in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg zunehmend imperialistisch wurde, wurde der Sozialistische Realismus in die Satellitenstaaten des Ostblocks exportiert, neue Sowjetrepubliken, die in den Jahren nach der Kapitulation der Achsenmächte in ganz Osteuropa entstanden waren 1945. In der 1947 gegründeten Volksrepublik Polen wurde ab 1949 der Sozialistische Realismus als Staatspolitik durchgesetzt. Ähnliches gilt für die ebenfalls 1947 gegründete Sozialistische Republik Rumänien UdSSR überrascht es nicht, dass sich die dort produzierten Werke des Sozialistischen Realismus insgesamt stilistisch kaum von denen unterscheiden, die in den vorangegangenen Jahrzehnten in Russland komponiert wurden als postimpressionistischer Maler vor 1947 etabliert). Werke, die als Hommage an die Modernisierung der Landwirtschaft unter sowjetischer Herrschaft komponiert wurden, wie die des polnischen Malers Juliusz Krajewski Danke Traktorfahrer (1950), erinnern an jene, die zwei Jahrzehnte zuvor während der Kollektivierung in der Sowjetunion komponiert wurden.

Die sowjetische Konzeption des Sozialistischen Realismus inspirierte auch kulturelle Entwicklungen außerhalb Europas, darunter in der Demokratischen Volksrepublik Korea (gegründet 1948) und der Volksrepublik China (gegründet 1949). Die Proklamationen des Vorsitzenden Mao über die Rolle des Künstlers im neuen chinesischen Staat spiegelten die von Stalin wider: "[all unsere Literatur und Kunst sind für die Massen des Volkes und in erster Linie für die Arbeiter, Bauern und Soldaten". In einer Politik, die als "Verstaatlichung der Ölmalerei" bezeichnet wurde, studierten chinesische Künstler europäische Maltechniken, um Maos Variante des stalinistischen Kulturnationalismus zu fördern.


Lenin-Jackenbild: Was ist die Geschichte? - Geschichte

Die Geschichte des Restaurants Ed's Warehouse in Toronto

Bleiben Sie auf dem Laufenden

In den vergangenen Jahrzehnten war Ed's Warehouse eines der berühmtesten Restaurants in Toronto. In der King Street West 266 gelegen, war es nicht nur ein Ort zum Essen, sondern auch eine Touristenattraktion. Fast vier Jahrzehnte lang wurde es von Menschen besucht und ausnahmslos wurde es seinem Ruf gerecht.

In den frühen 1960er Jahren wurde die King Street West zwischen Peter Street und University Avenue leider vernachlässigt. Hinzu kamen die CP Rail Yards auf der Südseite der Straße, wo sich heute die Roy Thomson Hall befindet. Transienten, die auf den Schienen fuhren, wurden in diesem Abschnitt der King Street oft gesehen.

Trotz dieser Überlegungen kaufte Ed Mirvish 1962 das Royal Alexandra Theatre für 200.000 US-Dollar. Er wurde mit den Worten zitiert, dass allein der Wert des Grundstücks mehr wert sei als der Kaufpreis, zu dem das Theater gehörte.

Nach der Restaurierung des Royal Alexandra stand Ed Mirvish vor dem Problem, dass es in der Gegend keine guten Restaurants gab. 1963 löste er das Problem, indem er sein eigenes Ed's Warehouse eröffnete.

Ed's Warehouse Restaurant in der King Street West am 9. Oktober 1981. Toronto Archives.

Sein Name wurde gewählt, da er sich in einem ehemaligen Lagerhaus unmittelbar an der Westseite des Theaters befand. Ed glaubte, dass Essen und Theater wie das sprichwörtliche "Pferd und Kutsche" zusammengehörten, daher schien das Unternehmen angemessen.

Menschenmengen, die das Restaurant und das Theater besuchten, brachten Leben auf die Straße. Dies galt nicht für andere Projekte, die in den kommenden Jahren in der Gegend eröffnet wurden, wie die Roy Thomson Hall (1982) und das Canadian Broadcasting Center (1992). Diese Gebäude ignorierten im Grunde das Straßenleben.

Ed eröffnete schließlich weitere Restaurants in der King Street und baute auch das Princess of Wales Theatre. Schließlich wurde die Bell Lightbox eröffnet (2010), das Kronjuwel, das die King Street zum wichtigsten Vergnügungsviertel der Stadt und vielleicht ganz Kanadas machte.

Alles begann jedoch mit dem Royal Alexandra Theatre und dem Ed's Warehouse Restaurant.

Zu seiner Zeit war das Essen in Eds Restaurant eine Erfahrung, die in Toronto ihresgleichen sucht. Rita Zakes vom Toronto Star schrieb im Juli 2007, dass das Ambiente dem eines Barnum- und Bailey-Zirkus glich. Persönlich hielt ich es für "Antiquitäten, Schrott und Victoriana, die wild geworden sind!"

Neben der rot beflockten Tapete gab es riesige orientalische Vasen, Tiffany-Lampen, Bronze- und Marmorstatuen, ein Automobil, antike Fotografien, Fotos zahlreicher Theaterstars, Buntglasfenster und Lampen mit nackten Damen auf den Sockeln.

Von dem Moment an, als das Restaurant eröffnet wurde, wurde die Einrichtung Teil der Attraktion. Und das Beste daran: Nach dem Essen in dieser herrlich grellen Atmosphäre war das Royal Alexandra Theatre nur wenige Schritte entfernt.

Das Menü war voreingestellt, um Kosten zu sparen. Dicke, saftige Hochrippe wurde von Kartoffelpüree, grünen Erbsen, Yorkshire-Pudding und Soße begleitet. Knoblauchbrot und Dillgurken waren ebenfalls enthalten. Als Nachtisch gab es Spumoni-Eis.

Kritiker sagten scherzhaft, dass die Speisekarte so einfach zuzubereiten sei, dass Ed seinen Koch gefeuert und den Job dem Parkwächter gegeben habe. Die Kritiker hatten offensichtlich nie versucht, Prime Rib zu kochen.

Das Restaurant war so erfolgreich, dass Ed Mirvish expandierte und Ed's Seafood, Ed's Chinese, Ed's Italian und Ed's Folly (eine Lounge) eröffnete.

In Ed's Warehouse mussten Männer Sakko und Krawatte tragen, diese Anforderung wurde lange beibehalten, nachdem andere Restaurants die Tradition aufgegeben hatten. Allerdings bot Old Ed's Restaurant niedrigere Preise und war lässiger.

Melden Sie sich am 9. August 1981 vor Ed's Warehouse, zeigen Sie die Speisekarte an und informieren Sie die Männer über die Kleiderordnung. Toronto-Archiv.

1971 abonnierte ich die Mirvish-Theaterreihe. Als meine ersten Tickets per Post ankamen, erhielt ich zwei kostenlose Gutscheine für Ed's Warehouse. Wenn ich mich recht erinnere, hatte jeder Coupon einen Wert von 20 Dollar, was die gesamten Kosten des Essens deckte. Dies waren in der Tat die "guten alten Zeiten".

In den 1970er Jahren, als die Mirvish-Restaurants auf dem Höhepunkt ihrer Popularität waren, hatten sie eine Gesamtkapazität von 2.300 Sitzplätzen und servierten oft 6.000 Mahlzeiten am Tag. Im selben Jahrzehnt sponserte das Toronto Calendar Magazine, das später mit Toronto Life fusionierte, einen Wettbewerb, um das beste Restaurant im Finanzviertel zu bestimmen.

Über 10.000 Menschen haben abgestimmt, und von den 21 aufgelisteten Restaurants war Ed's Warehouse die Nummer eins. Trotz dieser Auszeichnung habe ich online einige sehr kritische Kritiken über das Essen im Ed's Warehouse gelesen. Das aus Chicago importierte Rindfleisch empfand ich jedoch als eines der feinsten, die ich je erlebt habe.

Eines Jahr an meinem Geburtstag erzählte mir meine Familie, dass sie mich zum Essen einladen würden, aber sie überraschten mit ihrer Restaurantwahl. Ich fragte, ob ich Krawatte und Sakko tragen solle, und man sagte mir, sie seien unnötig.

Als wir ankamen, stellten wir fest, dass Krawatte und Jacke tatsächlich obligatorisch waren, da es sich um Ed's Warehouse handelte. Der Kellner bot an, Jacken und Krawatten von denen, die sie für solche Situationen aufbewahrten, zur Verfügung zu stellen. Er erklärte, dass die Kleiderordnung notwendig sei, um zu verhindern, dass Landstreicher von der anderen Straßenseite auf den Bahnhöfen das Lokal betreten.

Wir waren beleidigt, da die angebotenen Kleider schmuddelig aussahen und wir sicherlich keine Landstreicher waren. Wir trugen frisch gebügelte Sporthemden und ordentliche Hosen.

Dann erschien Ed Mirvish und fragte: "Was ist das Problem?"

Er lächelte, entschuldigte sich und sagte dem Kellner: "Geleite sie zum reservierten Tisch."

Wir haben das Essen genossen und als der Scheck ankam, war er um 50 Prozent reduziert. Ed war ein sehr kluger Geschäftsmann sowie ein großherziger Mensch. Meine Familie hat seine Großzügigkeit nie vergessen.

Wie in allen guten Zeiten verschwanden die Mirvish-Restaurants schließlich. Im Dezember 1999 kündigte Ed seine Restaurantlizenz. Als Reporter ihn nach den Schließungen fragten, witzelte er, dass er es leid sei, Abwasch zu machen. Die Stadt war nie dieselbe. Dies war auch der Fall, als sein Discounter "Honest Ed's" im Dezember 2016 schloss.

Um Ed Mirvish zu paraphrasieren: "Ed's Warehouse war einzigartig. Oft imitiert, aber nie dupliziert."


Janet Jacksons Super Bowl ‘Wardrobe Fehlfunktion’

Die Halbzeitshows bei Super Bowls sind im Laufe der Jahre immer spektakulärer geworden und Super Bowl XXXVIII hat sie alle übertroffen. Als Justin Timberlake mit Janet Jackson auf der Bühne „Rock Your Body“ sang und die letzten Zeilen des Songs erreichte – „Lass uns etwas tun, lass uns eine Wette machen, weil ich dich am Ende dieses Songs nackt haben muss“ – erreichte er über ihren Körper und zog einen Teil ihres Bustiers aus, wodurch der größte Teil ihrer rechten Brust freigelegt wurde:

Obwohl MTV, der die Halbzeitshow produzierte, behauptete, der Vorfall sei ein Unfall gewesen – „Das Zerreißen von Jacksons Kostüm war ungeprobt, ungeplant, völlig unbeabsichtigt“, sagten sie – einige haben vorgeschlagen, dass Jackson einen Brustwarzenschutz trägt (und Vorankündigungen, die die Show würde einige „schockierende Momente“ enthalten), demonstrierten, dass der Stunt möglicherweise nicht ganz so spontan war:

Die Halbzeit-Feierlichkeiten wurden auch von einem Flitzer unterbrochen, der im Gegensatz zu Janet Jackson sein weniger als bekleidetes Bild nicht von CBS in die Wohnzimmer beamen ließ.

Durch einen merkwürdigen Zufall kursierten einige Wochen vor dem großen Spiel Fotos, die angeblich die entblößten Brüste der Halbzeit-Entertainerin Shania Twain des Vorjahres im Super Bowl zeigten:

Diese Bilder wurden offensichtlich aus Screenshots der Super Bowl-Halbzeitshow von 2003 hergestellt – angesichts der Medienaufmerksamkeit, die sich aus einer teilweise belichteten Brust beim Super Bowl 2004 ergab, wären zwei vollständig belichtete Brüste bei der Show des Vorjahres eine von die besten (weniger) Geschichten des Jahres.


McFarland, USA (2015)

Nein, der echte Coach Jim White begann 1980 an der McFarland High School mit dem Cross-Country-Training. Er war jedoch seit 1964, nach seinem Abschluss an der Pepperdine University, Lehrer im McFarland School District. Damals war McFarland demographisch weitgehend weiß. Er ging 2003 nach 23 Jahren als Trainer von Jungen im Cross Country in den Ruhestand. Der Film verlängert seine Ankunft und Trainerposition bei McFarland bis 1987, dem ersten Jahr, in dem sein Cross-Country-Team teilnahm und die Staatsmeisterschaft gewann (1987 war auch das allererste Jahr, in dem Kalifornien eine Staatsmeisterschaft hatte).

War Jim White wirklich von mehreren früheren Lehraufträgen entlassen worden?

Hat Jim White bei McFarland wirklich ein Cross-Country-Team gegründet?

Nicht genau. Jim White nahm das Programm 1980 wieder auf, nachdem es ein Jahr lang eingestellt worden war. Er baute jedoch die Langlaufprogramme für Jungen und Mädchen von Grund auf neu auf. -Kongressaufzeichnung, V. 146, Pt. 12

Hat Jim White wirklich zwei Töchter?

Der echte Jim White und seine Frau Cheryl White haben tatsächlich drei Töchter, Tami, Julie und Jami. Julie und Jami sind in der abgebildeten McFarland, USA Film. Sie werden mit 15 und 10 Jahren dargestellt, ein paar Jahre jünger, als sie zum Zeitpunkt des ersten Staatstitels 1987 tatsächlich waren (die Mädchen waren zu dieser Zeit auf dem College). Alle drei Mädchen schlossen ihr Studium an der Lubbock Christian University in Lubbock, Texas Tami 1985, Julie 1988 und Jami 1991 mit einem Abschluss in Pädagogik ab. -LCU.edu

Haben die Kinder Jim White wirklich "Blanco" genannt?

Jawohl. Inspiriert von der Ironie seines Nachnamens war "Blanco" einer der Spitznamen, die die Kinder und ihre Familien Jim White gaben. -LA-Zeiten

Befindet sich die McFarland High School wirklich auf der anderen Straßenseite eines Gefängnisses?

Die McFarland High School liegt eigentlich nur die Straße runter von der Central Valley Correctional Facility, nicht auf der anderen Straßenseite. Obwohl es ganz in der Nähe ist, hätte Jim White wahrscheinlich keinen klaren Blick darauf von seinem Klassenzimmerfenster, da eine Straße mit Häusern die Sportplätze der Schule vom Gefängnisgelände trennt.

Ist Coach White den Jungs wirklich mit dem Fahrrad gefolgt?

Jawohl. Ein 1997 LA Zeiten Artikel beschrieb es als klappriges, abgenutztes Fahrrad, sagte aber nicht, dass es sich um ein Mädchenfahrrad wie im Film handelt. Ähnlich wie im Film war Jim White jedoch selbst nie ein Läufer und benutzte das Fahrrad, um das Team während ihrer Trainingseinheiten zu verfolgen.

Wurde den Diaz-Brüdern von ihrer Mutter wirklich verboten, an Wettkämpfen teilzunehmen?

Hat Coach White den Kindern bei der Feldarbeit wirklich geholfen?

Jawohl. Um die Zeit auszugleichen, die sie aufgrund des Cross-Country-Trainings nicht auf den Feldern arbeiten konnten, gab Jim White ihnen manchmal seine Zeit, indem er ihnen half, auf den Feldern zu pflücken. „Manchmal habe ich ihnen bei der Feldarbeit geholfen“, sagt der echte Coach Jim White, „aber was noch wichtiger ist, ich habe zu einer anderen Zeit trainiert Sie kommen gerade von der Arbeit, dann übe ich vielleicht um 6 oder 7 Uhr mit den Jungs. Also würde ich zwei Übungen machen." -KGET 17

Waren ihre Gegner wirklich versnobte reiche Kinder, die auf sie herabschauten?

Wahrscheinlich nicht. Der örtliche Fotojournalist John Harte, der das Team zu dieser Zeit verfolgte, sagt, er habe gesehen, wie gegnerische Teams echte Glücksschläge gegeben haben. Dazu gehörten Mitglieder der Bakersfield High Drillers. Zumindest scheinen solche Szenen von den Filmemachern übertrieben worden zu sein.

Hat Coach White das Team wirklich an den Strand gebracht?

Jawohl. Allerdings kam es etwas anders als im Film. Der echte Coach Jim White brachte während der Saison 1985 (nicht in der Saison 1987) sowohl die Jungen- als auch die Mädchen-Cross-Country-Teams zum kalifornischen Küstenstrand von Cayucos. Es war tatsächlich das erste Mal, dass viele der Kinder das Meer sahen. -John Harte

Hatten sie wirklich Community-Spendenaktionen?

Ja, und manchmal bezahlte die Familie White neue Schuhe und Kleidung für das Team aus eigener Tasche. Einmal stellte Mrs. Diaz 200 Dutzend Tamales her, um das Team nach Asien zu schicken. Coach White nahm die Bestellungen entgegen und lieferte sie aus. -KGET 17

Hat Coach White Thomas Valles gerettet, als er daran dachte, von einer Überführung zu springen?

Jawohl. Wie im Film ging Thomas Valles eines Nachts zu einer Überführung über dem Highway 99, nachdem seine Eltern in einen schrecklichen Streit geraten waren. "Ich stand da. Ich wollte nicht nach Hause", sagt Thomas. "Ich kann nicht sagen, dass ich springen wollte, aber ich dachte über mein Leben nach und warum manche Leute springen würden. Plötzlich sah ich diese Scheinwerfer und es war Mr. White in seinem 59er Chevy." Coach White rief Thomas zu sich. Er stieg in den Truck und begann mit Coach White über seine Schwierigkeiten zu Hause zu sprechen. -LA-Zeiten

War Danny Diaz als Kind wirklich übergewichtig?

Nein. Danny Diaz war nicht übergewichtig, aber er war der siebte Läufer im Team. Seine Leistung beim Staatstreffen 1987 half McFarland, den Titel zu sichern. -23ABC-Nachrichten

Wie viele Staatstitel hat McFarland gewonnen?

Die McFarland, USA Die wahre Geschichte bestätigt, dass die McFarland High School neun CIF California State Championships im Cross Country gewann (darunter fünf in Folge) und 24 Jahre in Folge eine Reihe von Teilnahmen an den State Championships hielt. Dieser Streak endete, während der Film in Produktion war, nachdem die kleine Schule in den Status der Division I erhoben wurde, ein Nebenprodukt ihres Erfolgs. 1987, 1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 1999, 2000 und 2001 waren sie Landesmeister im Langlauf.

Waren alle Läufer des Teams von 1987 im Film vertreten?

Nein. Regisseurin Niki Caro entschied sich dafür, Luis Partida wegzulassen, der im Film durch David Diaz ersetzt wird. "Niki Caro wollte im Film mehr Familie zeigen, also haben sie sich für mich entschieden", sagt der echte David Diaz, der tatsächlich während des Schuljahres vor dem ersten Staatstitelgewinn seinen Abschluss gemacht hat. David ist in der . vertreten McFarland, USA Film zusammen mit zwei seiner Brüder, Damacio und Danny.

Sind viele der Läufer von Coach White wirklich aufs College gegangen?

Jawohl. Dutzende von Trainer Jim Whites Läufern gingen schließlich aufs College oder gingen in die Streitkräfte. Alle sieben Diaz-Kinder gingen aufs College und alle sieben kehrten nach McFarland zurück, wo sie heute leben. Viele ehemalige Läufer von White schreiben ihm zu, dass er sie dazu inspiriert hat, persönliche und berufliche Ziele zu erreichen, die sie sonst für unmöglich gehalten hätten (People.com). Einige, wie David Diaz, wurden selbst Lehrer. Thomas Valles wurde Gefängniswärter (LA Zeiten).

Wurde der Film in McFarland gedreht?

Jawohl. Die ersten Dreharbeiten fanden 2013 in McFarland, Kalifornien, statt. Viele der Bürger von McFarland waren Statisten im Film. -KGET 17

Erfahren Sie mehr über die McFarland, USA wahre Geschichte, indem Sie sich das Jim White-Interview unten ansehen. Schauen Sie sich auch die Familie Diaz genauer an, die sieben Kinder für McFarland laufen ließ.

PrepCalTrack.com führte dieses Jim White-Interview. Der legendäre ehemalige Cross-Country-Trainer von McFarland spricht darüber, wie es war, einen Film über seine Erfahrung als Trainer des Teams drehen zu lassen. Er sagt, dass nicht alles wahr ist, aber er ist damit einverstanden.

Mitglieder von McFarlands Diaz-Familie reflektieren ihre Zeit als Cross-Country-Läufer unter Coach Jim White an der McFarland High School. In dem Segment mit dem Titel "McFarland's Family of Champions" sind Danny Diaz, Tochter Delia Diaz, Gabriel Diaz, Damacio Diaz, David Diaz, Diego Diaz sowie Vater und Mutter Paul und Juanita Diaz enthalten. Sie sprechen davon, inspiriert zu sein, nach etwas zu streben, das über das Pflücken auf den Feldern hinausgeht. Alle sieben Diaz-Kinder kandidierten für Jim White und alle sieben gingen aufs College.

Coach Jim White (Kevin Costner) ist der neue Sportlehrer in McFarland, einer wirtschaftlich schwachen Stadt im kalifornischen Central Valley, das reich an Farmen ist. White sees the athletic potential at the predominantly Latino high school and decides to put together a cross country team. He offers the kids a chance to know what it feels like to be champions.


Naming the Zipper

The popular "zipper" name came from the B. F. Goodrich Company, which decided to use Sundback's fastener on a new type of rubber boots or galoshes. Boots and tobacco pouches with a zippered closure were the two chief uses of the zipper during its early years. It took 20 more years to convince the fashion industry to seriously promote the novel closure on garments.

In the 1930s, a sales campaign began for children's clothing featuring zippers. The campaign advocated zippers as a way to promote self-reliance in young children as the devices made it possible for them to dress in self-help clothing.


The Story Of Ravel's Boléro

Before he left for a triumphant tour of North America in January 1928, Maurice Ravel had agreed to write a Spanish-flavoured ballet score for his friend, the Russian dancer and actress Ida Rubinstein (1885-1960).

The idea was to create an orchestral transcription of Albeniz&rsquos piano suite Iberia. But on his return Ravel discovered that the orchestration rights had been granted to the Spanish conductor Enrique Arbós. Although Arbós generously gave up these rights, Ravel abandoned the idea and set about preparing an original score.

Ravel had long toyed with the idea of building a composition from a single theme which would grow simply through harmonic and instrumental ingenuity. Boléro&rsquos famous theme came to him on holiday in Saint-Jean-de-Luz.

He was about to go for a swim when he called a friend over to the piano and, playing the melody with one finger, asked: &ldquoDon&rsquot you think that has an insistent quality? I&rsquom going to try to repeat it a number of times without any development, gradually increasing the orchestra as best I can.&rdquo

He began work in July. By Ravel&rsquos standards the piece was completed quickly, in five months &ndash it had to be ready for Rubinstein to choreograph.

&ldquoOnce the idea of using only one theme was discovered,&rdquo he asserted, &ldquoany conservatory student could have done as well.&rdquo

The relentless snare-drum underpins the whole of the 15-minute work as Ravel inexorably builds on the simple tune until, with a daring modulation from C major to E major, he finally releases the pent-up tension with a burst of fireworks.

Boléro was given its first performance at the Paris Opéra on November 20, 1928. The premiere was acclaimed by a shouting, stamping, cheering audience in the midst of which a woman was heard screaming: &ldquoAu fou, au fou!&rdquo (&ldquoThe madman! The madman!&rdquo). When Ravel was told of this, he reportedly replied: &ldquoThat lady&hellip she understood.&rdquo

In an interview with The Daily Telegraph, he said: &ldquoI am particularly desirous there should be no misunderstanding about this work. It constitutes an experiment in a very special and limited direction and should not be suspected of aiming at achieving other or more than it actually does.&rdquo

Yet although Ravel considered Boléro one of his least important works, it has always been his most popular.


A Brief History of the Nickel

The nickel wasn't always worth five cents. In 1865, the U.S. nickel was a three-cent coin. Before that, “nickel cents” referred to alloy pennies.

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It turns out that even the name “nickel” is misleading. “Actually, nickels should be called 'coppers,'” says coin expert Q. David Bowers. Today's so-called nickels are 75 percent copper.

Those aren't the only surprises hidden in the history of the nickel. The story of America's five-cent coin is, strangely enough, a war story. And 150 years since it was first minted in 1866, the modest nickel serves as a window into the symbolic and practical importance of coinage itself.

To understand how the nickel got its name, you have to go back to an era when precious metals reigned supreme. In the 1850s, coins of any real value were made of gold and silver. In the event of a financial crisis—or worse, the collapse of a government—precious metal coins could always be melted down. They had intrinsic value.

But in the spring of 1861, southern states began to secede, and Abraham Lincoln was sworn in as President. Soon shells were falling on Fort Sumter in Charleston, South Carolina. America was in crisis, and so was its currency. “The outcome of the Civil War was uncertain,” says Bowers, an author of several books on coin history. Widespread anxiety led to an important side-effect of war. “People started hoarding hard money, especially silver and gold.”

Coins seemed to vanish overnight, and the U.S. Mint couldn't keep up with demand. “The United States literally did not have the resources in gold and silver to produce enough money to meet the needs of the country,” says Douglas Mudd, the director of the American Numismatic Association. “Even the cent was disappearing.” In the South, this problem was even worse. The limited supply of gold and silver was needed to purchase supplies from abroad, which meant the Confederacy relied almost exclusively on paper currency.

Minting new coins might not seem like a priority in a time of war. But without coinage, transactions of everyday life—buying bread, selling wares, sending mail—become almost impossible. One Philadelphia newspaper reported that the local economy had slowed to a crawl in 1863, citing that some storekeepers had to cut their prices “one to four cents on each transaction” or refuse to sell products outright because they were unable to get a hold of money.

Mudd puts the problem in more familiar terms. “It's like, all of a sudden, not being able to go to 7-Eleven because [the cashier] can't make change,” he says. “And if [they] can't make change, the economy stops.”

It was in this economic vacuum that the United States tried a series of monetary experiments. In 1861, the government began paying Union soldiers with “Demand Notes”—also known as “greenbacks.” Meanwhile, stamps were declared legal tender for small purchases a round metal case was developed to keep them intact. “It looked like a coin with a window on it,” says Mudd. 

Demand Notes, Series 1861, were issued by the United States in $5, $10, and $20 denominations. (National Museum of American History via Wikicommons) The term "Greenback" originated with these note, the earliest issue of the U.S. Government. (National Museum of American History via Wikicommons) The United States Demand Note was authorized by Congress on 17 July 1861 and issued on 10 August 1861. (National Museum of American History via Wikicommons)

For the duration of the war, the American economy puttered along with all kinds of competing currency. Even private banks and businesses were releasing their own notes and coins. Shopkeepers could give coins, stamps or bills as change. The war finally ended in 1865, but it took many months for precious metals to trickle back into circulation. “It's not until after the Civil War that coin production resumes at full capacity,” says Mudd.

As the United States turned its attention to rebuilding, not all metals were scarce. War production had expanded America's industrial capacity, and nickel was available in huge quantities. The advantage of nickel lay in what it wasn't. It wasn't scarce, which meant the government could print millions of coins without creating new shortages. And it wasn't a precious metal, so people wouldn't hoard it.

In fact, some cent coins had already been minted using nickel—and as one Pennsylvania newspaper pointed out, “the hoarding of them is unwise and injudicious.” There's no sense in hoarding a coin whose value comes from a government guarantee.

Only after a bizarre 1866 controversy about paper money, however, did nickel coins finally conquer everyday life. At the time, the National Currency Bureau (later called the Bureau of Engraving and Printing) was led by a man named Spencer Clark. He was tasked with finding a suitable portrait for the five-cent note. Clark's selection was a proud-looking man with dark eyes and a thick white beard. The public was not amused.

“He put his own image on there,” says Mudd. “There was a major scandal.”

Fractional Currency was introduced by the United States Federal Government following the Civil War, and were issued in 3, 5, 10, 15, 25, and 50 cent denominations. (National Museum of American History via Wikicommons)

“Clark put his own head on the currency without any authority whatever,” declared an angry letter to the New York Times. Reporting by the Mal depicted Clark's bearded portrait as an assault on the dignity of American money. Another letter-writer chimed in: “It shows the form of impudence in a way seldom attempted before. It is not the first time, however, that men have made a strike for fame, and only achieved notoriety.”

While legislators were making speeches in Congress denouncing Clark's portrait, an industrialist named Joseph Wharton was busy prodding legislators to find an alternative to paper money. In the early years of the war, Wharton had bought up nickel mines in New Jersey and Pennsylvania, so his suggestion should come as no surprise. He wanted coins to be made out of nickel.

Two months later, five-cent notes were quietly retired. And as Philadelphia's Tägliches Abend-Bulletin reported in May of 1866, a new coin was to immediately take its place. “The President [Andrew Johnson] has approved a bill to authorize the coinage of five cent pieces, composed of nickel and copper,” said the article. “There are to be no more issues of fractional notes of a less denomination than ten cents.”

The new coin was decorated with a shield, the words “In God We Trust,” and a large 𔄝,” surrounded by a star and ray design. That year, the government minted a whopping 15 million five-cent nickels—more than 100 times the number of silver half-dimes minted the year before.

As far as the future of the nickel was concerned, the timing was perfect. The postwar economy began to gather steam again. “The supply was there, and the demand was there,” says Mudd. “People wanted coins.”

The nickel caught on for a few reasons. First of all, after years of coin shortages, nickels flooded the economy. Nearly 30 million were printed in 1867 and 1868. “The nickel was das coin from 1866 to 1876,” says Bowers. Even after that, as dimes and quarters rose in prominence, nickels were the coin of convenience. Bottles of Coca-Cola, which entered the marketplace in 1886, cost a nickel for 73 years.

The shield nickel was produced until 1883, when it was replaced due to manufacturing issues by the “Liberty Head” nickel. The decades that followed saw a succession of new designs, starting in 1913 with the Buffalo nickel and followed in 1938 by the initial Jefferson nickel. (Ironically, during World War II, nickel was so essential for war production that nickels were produced without any nickel.) The most recent update, in 2006, revised Jefferson's image from a profile to a frontal portrait.

In the 20 th century, one other shift cemented the nickel as an indispensable coin of the realm: the rise of coin-operated machines. Nickels were the ideal denomination for vending machines, jukeboxes, and slot machines. It also cost five cents to attend a “nickelodeon”—that is, a nickel theater. (Odeon comes from the Greek word for theater.) “Nickels went into the mainstream,” says Bowers.

Nickels have come full-circle since their roots in the gold and silver shortages of the Civil War. One hundred and fifty years ago, coins made of nickel seemed convenient because they were made of cheap metals. These days, nickel and copper prices are high, and our beloved 5-cent coin costs around 8 cents to produce. Maybe it's time to bring back the five-cent note.

About Daniel A. Gross

Daniel A. Gross is a freelance journalist and public radio producer based in Boston.


What's the Meaning Behind the Obey Clothing Line?

According to its website, the Obey clothing line is a challenge to youth to "take heed of the propagandists out to bend the world to their agendas." Created by Shepard Fairey, the word obey is used as a method of reverse psychology instead of following the status quo, or "obeying," this clothing line aims to challenge youth to do the exact opposite and think for themselves.

Shepard Fairey attended the Rhode Island School of Design and in 1989, created a sticker that would later spawn the production of this popular clothing line. Working with designers Mike Ternosky and Erin Wignall, Fairey has created a variety of clothing for men and women alike.

While attending art school, Fairey worker part-time at a skateboard shop in Providence, Rhode Island. There, the artist was exposed to graffiti art and the unique styles of the skateboarding community. Along with his interest in punk rock music, skateboarding influenced Fairey's future clothing business. The Obey clothing line remains a popular apparel choice for skateboarders, and Fairey's art appeared on the cover of Transworld Skateboarding magazine in 2011.

Fairey's art was put into the spotlight during the 2008 presidential campaign in the United States when he created a red and blue portrait of future president Barack Obama titled "HOPE."


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Bemerkungen:

  1. Macaire

    Ich tut mir leid, aber ich bin sicherlich nicht alles. Gibt es andere Variationen?

  2. Khya

    Klasse 10 Punkte

  3. Judy

    Du liegst absolut richtig. Darin ist und ist etwas gut gedacht. Es ist bereit, Sie zu unterstützen.

  4. Muhunnad

    Es scheint mir der großartige Gedanke



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