Bertolt Brecht - Geschichte

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Bertolt Brecht

1889-1956

Dramatiker

Bertolt Brecht wurde am 10. Februar 1898 in Augsburg, Bayern, geboren. Während des Ersten Weltkriegs wurde er fast von der Schule verwiesen, weil er einen Aufsatz gegen das Sterben für den Staat verfasste. Er gilt als eine der Schlüsselfiguren des Dramas des 20. Jahrhunderts. Er war ein gefeierter Dramatiker, Regisseur und Dichter. 1933 floh Brecht aus Nazi-Deutschland und kam mit seiner Frau in die USA. In Amerika schrieb Brecht einige seiner berühmtesten Werke, darunter Mother Courage and Her Children (1941). 1949 kehrte er in die DDR zurück, wo er das Berliner Ensemble gründete, das er bis zu seinem Tod leitete.


Berliner Ensemble

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Berliner Ensemble, 1949 von dem deutschen Dramatiker und Dichter Bertolt Brecht in Ost-Berlin gegründete Theatergruppe. Das Berliner Ensemble entstand als Dependance des Deutschen Theaters, wo Brecht eine Inszenierung von ihm inszeniert hatte Mutter Courage und ihre Kinder (Mutter Courage und ihre Kinder) im Januar 1949. Ursprünglich als Tourneegruppe konzipiert, setzte sich das Ensemble vor allem aus jüngeren Mitgliedern des Deutschen Theaters zusammen, mit Helene Weigel, Brechts Frau, als Hauptdarstellerin und Co-Regisseurin. Die Kompanie widmete sich Werken, die von Brecht selbst geschrieben oder bearbeitet wurden, und arbeitete in Brechts Stil des epischen Theaters, der Regisseure in ganz Westeuropa und den Vereinigten Staaten beeinflusste. 1954 bezog das Berliner Ensemble sein eigenes Theater, das Theater am Schiffbauerdamm, wo es als eigenständiges Staatstheater gegründet wurde.

Mehrere Touren durch Europa, darunter zwei Besuche in Paris, mit Mutter Mut 1954 und Der kaukasische Kreidekreis (Der Kaukasische Kreidekreis) 1955 brachte dem Berliner Ensemble internationale Bekanntheit und hohes Ansehen bei der Kritik. Nach Brechts Tod 1956 führte Weigel die Firma bis zu ihrem Tod 1971.

In den 1970er Jahren hielt die Kompanie trotz der Auseinandersetzungen unter den künstlerischen Leitern, die die Gültigkeit des Brechtschen Theaters in Frage stellten, durch. Ruth Berghaus folgte 1971 Weigel als Ensembleleiterin nach, ihr experimenteller Ansatz wurde von den Traditionalisten nicht gut aufgenommen, 1977 wurde sie von Manfred Wekwerth abgelöst. Mit der Wiedervereinigung Deutschlands 1990 wurde das Unternehmen eine Körperschaft des öffentlichen Rechts und wurde bis 1992 staatlich gefördert gefördert und von einem Team renommierter Intendanten geleitet, darunter Heiner Müller, der 1992 alleiniger Geschäftsführer und künstlerischer Leiter wurde und diese Funktion bis zu seinem Tod 1995 innehatte. Das inzwischen in Privatbesitz befindliche Unternehmen erhielt jedoch weiterhin Stadt Subventionen, dauerte weitere vier Jahre, bis sie am 1. August 1999 offiziell aufgelöst wurde. Im Jahr 2000 neu organisiert, blieb die Kompanie dem politischen Theater verpflichtet, wenn auch in einer breiteren Auslegung.


Inhalt

Aus Angst vor Verfolgung und von der Veröffentlichung und Produktion auf die schwarze Liste gesetzt, Brecht – der in seinen Gedichten Adolf Hitler als . bezeichnete der Anstreicher („der Anstreicher“) [2] – verließ Deutschland im Februar 1933, kurz nach der Ernennung Hitlers zum Reichskanzler durch Bundespräsident Paul von Hindenburg auf Betreiben des ehemaligen Bundeskanzlers Franz von Papen. Nach seinem Umzug – Prag, Zürich, Paris – landete Brecht für sechs Jahre in Dänemark. Dort, c. 1934 arbeitete er an der Vorgeschichte zu Der widerständige Aufstieg von Arturo Ui, eine Satire auf Hitler namens Ui, geschrieben im Stil eines Renaissancehistorikers. Entstanden ist eine Geschichte über "Giacomo Ui", einen Maschinenpolitiker in Padua, ein Werk, das Brecht nie vollendet hat. Es wurde später mit seinen gesammelten Kurzgeschichten veröffentlicht. [3]

1939 verließ Brecht Dänemark und zog zunächst nach Stockholm und dann im nächsten Jahr nach Helsinki, Finnland. Das aktuelle Stück schrieb er dort 1941 in nur drei Wochen, während er auf ein Visum für die Einreise in die USA wartete. Das Stück wurde erst 1958 auf der Bühne produziert und erst 1961 in englischer Sprache. Trotzdem hatte Brecht ursprünglich keine deutsche Version des Stücks im Sinn, sondern von Anfang an für die amerikanische Bühne gedacht. [1]

Das Stück ist bewusst eine höchst satirische Allegorie auf Hitlers Machtergreifung in Deutschland und die Entstehung des nationalsozialistischen Staates. Alle Charaktere und Gruppen in dem Stück hatten direkte Gegenstücke im wirklichen Leben, wobei Ui Hitler repräsentierte, sein Handlanger Ernesto Roma Ernst Röhm repräsentierte, der Kopf der Nazi-Braunhemden Dogsborough als Vertreter von General von Hindenburg, einem Helden des Ersten Weltkriegs und dem Präsidenten von der Weimarer Republik (sein Name ist ein Wortspiel mit dem Deutschen Hund und Burg) Emanuele Giri vertritt Hermann Göring, ein Flieger-Ass aus dem 1. das Dritte Reich und so weiter. Darüber hinaus basiert jede Szene des Stücks, wenn auch manchmal sehr lose, auf einem realen Ereignis, zum Beispiel dem Lagerhausbrand, der den Reichstagsbrand darstellt, und dem Dockhilfe-Skandal, der die Osthilfeskandal (Osthilfe) Skandal. Das Stück ähnelt in mancher Hinsicht dem Film Der große Diktator (1940), die auch eine absurde Hitler-Parodie ("Adenoid Hynkel") von Charlie Chaplin, Brechts Lieblingsfilmschauspieler, enthielt. [1]

Dramatisch Arturo Ui entspricht Brechts "epischem" Theaterstil. Es beginnt mit einem Prolog in Form einer direkten Ansprache eines ansonsten nicht identifizierten "Schauspielers", der alle Hauptfiguren skizziert und die Grundlagen der kommenden Handlung erklärt. Dadurch kann sich das Publikum besser auf die Botschaft konzentrieren, anstatt sich Gedanken darüber zu machen, was als nächstes in der Handlung passieren könnte.

Brecht beschreibt in den Regieanweisungen des Stücks die Verwendung von Schildern oder Projektionen, die zuerst auf dem Bühnenvorhang zu sehen sind und später nach bestimmten Szenen erscheinen und dem Publikum relevante Informationen über Hitlers Machtergreifung präsentieren, um die Parallelen zwischen den Spiel und aktuelle Ereignisse.

Das Stück hat häufig Verweise auf Shakespeare. Um Uis bösen und schurkischen Aufstieg zur Macht hervorzuheben, wird er explizit mit Shakespeares Richard III. verglichen. Wie Macbeth erlebt Ui den Besuch des Geistes eines seiner Opfer. [4] Schließlich wird auf Hitlers geübtes Können beim öffentlichen Reden Bezug genommen, als Ui von einem Schauspieler Unterricht im Gehen, Sitzen und Reden erhält, einschließlich seiner Rezitation der berühmten Rede von Mark Antony aus Julius Caesar.

  • Dogsborough → Paul von Hindenburg
  • Arturo Ui → Adolf Hitler
  • Giri → Hermann Göring
  • Roma → Ernst Röhm
  • Givola → Joseph Goebbels
  • Dullfeet → Engelbert Dollfuß (ermordeter Bundeskanzler von Österreich)
  • Blumenkohlstiftung → Preußische Junker (subventionierte deutsche Grundbesitzer)
  • Clark (vom Trust) → Franz von Papen
  • Gemüsehändler → Kleinbürgertum
  • Gangster → Faschisten
  • Fisch → Marinus van der Lubbe (der niederländische Kommunist, der wegen des Abbrennens des Reichstags verurteilt wurde)

Äquivalente für im Text zitierte Orte und Dinge sind:

Es gibt weniger alternative Kopien der Schrift als bei Brechts Werken üblich, da "die meisten Überarbeitungen, wie sie waren, direkt am ersten Typoskript vorgenommen worden waren", [6] aber er bezog sich auf das Stück von eine Reihe von alternativen Namen, darunter Der Aufstieg von Arturo Ui, Das Gangsterspiel, das wir kennen und Dieser bekannte Schläger. Irgendwann bezeichnete er es als Arturo Ui, bezeichnete es als "Dramatisches Gedicht" und schrieb K. Keuner ("Herr Niemand") die Autorschaft zu. [5]

Der widerständige Aufstieg von Arturo Ui sollte von Brecht in den Vereinigten Staaten uraufgeführt werden, aber er konnte keine Produktion aufstellen. Brecht machte Regisseur Erwin Piscator in New York auf das Stück aufmerksam und schlug Oskar Homolka vor, Ui zu spielen. Piscator und Brechts regelmäßiger musikalischer Mitarbeiter Hanns Eisler ließen HR Hay das Werk übersetzen, das im September 1941 fertiggestellt wurde, und legte es Louis Shaffer, dem Direktor von Labor Stage, vor, der es vermutlich als "nicht ratsam zu produzieren" ablehnte weil die Vereinigten Staaten zu dieser Zeit noch ein neutrales Land waren. [1]

Das Stück blieb bis 1953 in der Schublade, nachdem Brecht das Berliner Ensemble gegründet und dort seine Hauptwerke produziert hatte. Er zeigte das Stück einem größeren Kreis, als er es zuvor gesehen hatte, und dies führte schließlich zur Inszenierung des Berliner Ensembles – nur dass Brecht darauf bestand, dass Szenen aus seinen Angst und Elend des Dritten Reiches, eine Serie realistischer Kurzstücke über das Leben im Dritten Reich, die um 1935 entstanden ist – musste erst produziert werden. Er befürchtete, das deutsche Publikum sei noch zu nah an seiner früheren psychischen Verbindung zu Hitler. [1]

Als Brecht 1956 starb, hatte das Berliner Ensemble noch immer nicht produziert Angst und Elend im Dritten Reich – was zu verschiedenen Zeiten auch genannt wurde 99% und Das Privatleben der Herrenrasse – aber Brecht hatte es zur Veröffentlichung vorbereitet, die 1957 erschien. Im selben Jahr wurden Szenen aus dem Werk von fünf jungen Direktoren des Ensembles inszeniert. Einer von ihnen, Peter Palitzsch, führte Regie bei der Uraufführung von Der widerständige Aufstieg von Arturo Ui in Stuttgart, BRD, 1958. [1] [7] Das Ensemble selbst produzierte das Stück vier Monate später erstmals unter der Regie von Palitzsch und Manfred Wekwerth und Ekkehard Schall als Arturo Ui. Diese Produktion, "im Jahrmarktsstil inszeniert, mit rücksichtslosem Schwung und blecherner Vulgarität" [1] wurde auch in Berlin, London und beim Pariser Internationalen Theaterfestival gezeigt. [1] Eine spätere Produktion des Berliner Ensembles unter der Leitung von Heiner Müller läuft seit Juni 1995 im Repertoire, mit Martin Wuttke in der Titelpartie.

Der widerständige Aufstieg von Arturo Ui wurde zweimal am Broadway präsentiert. Die erste Produktion war 1963 mit Christopher Plummer in der Hauptrolle und Michael Constantine, Elisha Cook, Lionel Stander, Sandy Baron, Oliver Clark und James Coco in der Besetzung. Es wurde von Tony Richardson inszeniert und lief für fünf Vorschauen und acht Aufführungen. Die zweite Broadway-Produktion des Stücks fand 1968/69 von der Guthrie Theatre Company statt. Es spielte Robin Gammell als Ui und wurde von Edward Payson Call inszeniert. Es lief über zehn Vorstellungen. [9]

Das Stück wurde dreimal Off-Broadway präsentiert. 1991 wurde es von der Classic Stage Company produziert, mit John Turturro als Arturo Ui unter der Regie von Carey Perloff. Im Jahr 2002 spielte es im National Actors Theatre, mit Ui gespielt von Al Pacino, und Steve Buscemi, Billy Crudup, Charles Durning, Paul Giamatti, John Goodman, Chazz Palminteri, Jacqueline McKenzie, Sterling K. Brown und Tony Randall ( wer auch produziert) die Besetzung. Regie führte Simon McBurney. Die Classic Stage Company nahm es 2018 erneut in Angriff, unter der Regie von John Doyle mit Raúl Esparza in der Titelrolle und Eddie Cooper und Elizabeth A. Davis in der Nebenbesetzung. Im Jahr 1986 wurde das Stück beim Stratford Festival in Kanada produziert und hatte 46 Aufführungen mit Maurice Godin in der Hauptrolle. [13]

Zuletzt im Jahr 2017 wurde Bruce Norris' adaptierte Version des Stücks im Donmar Warehouse in London aufgeführt, mit Lenny Henry in der Hauptrolle als Arturo Ui und unter der Regie von Simon Evans. [14] Norris verglich Uis Charakter, ein Gleichnis von Adolf Hitler, mit dem amerikanischen Präsidenten Donald Trump durch die Verwendung von Dialogen und Plakaten mit der Aufschrift „Lasst uns dieses Land wieder großartig machen“.

Die Rolle des Arturo Ui wurde auch von einer Reihe anderer bemerkenswerter Schauspieler gespielt, darunter Peter Falk, Griff Rhys Jones, Leonard Rossiter, Antony Sher, Nicol Williamson, Henry Goodman [15] und Hugo Weaving [16] sowie Jean Vilar und der australische Schauspieler John Bell. [1] Simon Callow bespricht seine Interpretation der Rolle in seiner Autobiographie, Schauspieler sein, während Plummer in seiner Autobiografie erklärt, warum er das Gefühl hatte, in der Rolle am Broadway versagt zu haben, Trotz mir.

Zur Zeit der ersten Bühnenproduktion in Stuttgart bezeichnete Siegfried Melchinger, ein westdeutscher Kritiker, es eine "glänzende Fehlgeburt" und beklagte sich, dass das Stück das deutsche Volk weggelassen habe, [1] in Anlehnung an die Beschwerde des DDR-Kritikers Lothar Kusche, der das Stück im Manuskript gelesen hatte. Brechts Antwort war teilweise

Ui ist ein Gleichnisspiel, geschrieben mit dem Ziel, den gefährlichen Respekt zu zerstören, der allgemein für große Killer empfunden wird. Der beschriebene Kreis ist bewusst eingeschränkt, er beschränkt sich auf die Staatsebene, Industrielle, Junker und Kleinbürger. Dies reicht aus, um das gewünschte Ziel zu erreichen. Das Stück erhebt nicht den Anspruch, die historische Situation in den 1930er Jahren vollständig darzustellen. [17]

In seiner Studie von 1992 Hitler: Der Führer und das Volk, J. P. Stern, Professor für Germanistik, lehnt beides ab Arturo Ui und Chaplins Der große Diktator, schreibt: "[D]ie wahre Natur von [Hitler] wird durch die Possen von Charles Chaplin und die zutiefst unlustige Komödie von Bertolt Brecht eher trivialisiert und verschleiert als beleuchtet." [18]

Das Stück wurde 1999 als Nr. 54 auf aufgeführt Le Monde 100 Bücher des Jahrhunderts.


Ein Arbeiter liest Geschichte von Bertolt Brecht

Wer baute die sieben Tore von Theben?
Die Bücher sind mit Namen von Königen gefüllt.
Waren es die Könige, die die zerklüfteten Steinblöcke schleppten?
Und Babylon, so oft zerstört.
Wer hat die Stadt jedes Mal aufgebaut? In welchem ​​von Limas Häusern,
Diese Stadt, die mit Gold glitzerte, lebten die, die sie gebaut haben?
Am Abend, wenn die Chinesische Mauer fertig war
Wo sind die Maurer hin? Kaiserliches Rom
Ist voller Triumphbögen. Wer hat sie aufgezogen? Über wen
Haben die Cäsaren triumphiert? Byzanz lebt im Gesang.
Waren alle ihre Wohnungen Paläste? Und sogar in Atlantis der Legende
Die Nacht, in der die Meere hereinbrachen,
Die Ertrinkenden brüllten immer noch nach ihren Sklaven.

Der junge Alexander eroberte Indien.
Er allein?
Caesar schlug die Gallier.
Gab es nicht einmal einen Koch in seiner Armee?
Phillip von Spanien weinte als seine Flotte
wurde versenkt und zerstört. Gab es keine anderen Tränen?
Friedrich der Grieche triumphierte im Siebenjährigen Krieg.
Wer hat mit ihm triumphiert?

Jede Seite ein Sieg
Auf wessen Kosten die Siegeskugel?
Alle zehn Jahre ein großer Mann,
Wer hat den Pfeifer bezahlt?

So viele Einzelheiten.
So viele Fragen.


Arbeitet im kritischen Kontext

Die Dreigroschenoper Zu Lebzeiten in Deutschland bekannt, wurde Brecht erst nach seinem Tod von Kritikern in ganz Europa und den Vereinigten Staaten als bedeutender Dramatiker anerkannt. Seine bekanntesten Stücke, Die Dreigroschenoper und Mutter Courage und ihre Kinder, gelten beide als sehr einflussreich auf spätere Dramatiker. Die Dreigroschenoper war eine von Brechts Kollaborationen mit dem Komponisten Kurt Weill. Die Musikkomödie enthält das Lied „Die Moritat vom Mackie Messer“, das ins Englische als „Mack the Knife“ übersetzt wurde und zu einem Jazz-Standard wurde, der von Louis Armstrong und Frank Sinatra aufgenommen wurde. Obwohl in London angesiedelt, vermittelt das Stück vielleicht wie kein anderes literarisches Werk die moralische Malaise der deutschen Weimarer Republik. Ben Brantley schreibt: „Die wahren satirischen Ziele der Show waren die Mittelschichten des verarmten, steuerlosen Deutschlands in den 1920er Jahren.“ Das Stück ist kantig und schmutzig, bevölkert von Low-Lifes – Mördern, Prostituierten und Dieben. Wie der Kritiker Arthur Lazere behauptet: „Brechts Text ist sardonisch und spröde … jede Figur würde jede andere ausverkaufen, wenn man sich einen Vorteil verschaffen will.“ Wie Brantley feststellt, „wurde das Stück entworfen, um eine intellektuelle Distanz aufrechtzuerhalten, um es dem Publikum zu ermöglichen, sein eigenes Spiegelbild in bösartigen Schlägern, Huren, Bettlern und Polizisten zu sehen, die von den gleichen ursprünglichen Bedürfnissen und Instinkten wie sie selbst motiviert sind.“ Es war ein sofortiger Hit in Europa, aber zunächst ein Flop in den Vereinigten Staaten. Erst die Off-Broadway-Produktion von 1954 mit der berühmten deutschen Schauspielerin Lotte Lenya (Weills Witwe) wurde in Amerika als Meisterwerk gefeiert.

GEMEINSAME MENSCHLICHE ERFAHRUNG

Brecht kehrte oft auf das Thema Klassenkonflikt zwischen vermeintlich „Überlegenen“ und „Unterlegenen“ und die Förderung der Ursachen der unteren Klassen zurück. Andere Werke, die sich mit diesen Themen befassen, sind:

Die Pest (1947), ein Roman von Albert Camus. Dieser Roman erforscht den menschlichen Zustand, indem er die Reaktionen der Bewohner einer Stadt während eines Seuchenausbruchs untersucht. Willkürliche Klassenspalten lösen sich im Angesicht des Todes auf, um sich nach der Epidemie wieder aufzurichten.

Monsieur Verdoux (1947), ein Film von Charlie Chaplin. Die dunkelste Komödie von Chaplin dreht sich in diesem Film um einen arbeitslosen Bankier, der reiche Witwen heiratet und ermordet, um seine Familie zu ernähren. Er begründet sein Verhalten damit, dass er einfach das tue, was Geschäftsleute und Soldaten tagtäglich tun.

Trainspotting (1993), ein Roman von Irvine Welsh. Durch die Präsentation einer Geschichte, die aus der Sicht von Heroin-Junkies erzählt wird, fordert Welsh den Leser heraus, sich in wahrer Brechtscher Manier mit den niedrigsten Charakteren der unteren Klasse zu identifizieren.

Engel in Amerika (1990), ein Stück von Tony Kushner. Eine weitere Arbeit, die sich auf eine marginalisierte Gruppe konzentriert, in diesem Fall schwule Männer, die sich mit der AIDS-Epidemie der 1980er Jahre auseinandersetzen. Kushner wurde auch stark von Brechts Verwendung mehrerer Perspektiven und dem Chronikspiel beeinflusst, die alle in diesem epischen Werk sichtbar sind.

Mutter Courage und ihre Kinder In den Programmnotizen zu einer kürzlich inszenierten Produktion von Mutter Courage und ihre Kinder von der New Yorker Öffentlichkeit

Theater, Intendant Oscar Eustis nannte Brechts Werk „das größte Stück des 20. Jahrhunderts“. Es ist sicherlich eines der mächtigsten Antikriegswerke der Literatur und wurde als direkte Reaktion auf den Aufstieg der Nazis in Deutschland geschrieben. Allerdings ist das Stück auch sehr lang und schwer zu inszenieren, und erfolgreiche Inszenierungen sind selten. Das Stück hängt von der Charakterisierung des Charakters von Mutter Courage selbst ab, und die genaue Natur des Charakters ist Gegenstand vieler kritischer Debatten. Einige haben Mutter Courage als gierigen Feigling gebrandmarkt, andere loben ihre Praktikabilität und Zähigkeit. Ihre „wahre“ Natur ist komplex und daher schwer auf der Bühne darzustellen.


Inhalt

Der "Alabama Song" wurde als deutsches Gedicht geschrieben und 1925 von seiner engen Mitarbeiterin Elisabeth Hauptmann für den Autor Bertolt Brecht ins eigenwillige Englisch übersetzt [1] und in Brechts 1927 veröffentlicht Heimische Andachten (Deutsch: Hauspostille), eine Parodie auf die Predigtsammlung Martin Luthers. Es wurde von Kurt Weill für das Theaterstück von 1927 vertont Kleiner Mahagonny (Mahagonny-Songspiel) und für Brecht und Weills Oper von 1930 wiederverwendet Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny), wo es von Jenny und ihren Mitprostituierten im ersten Akt gesungen wird. Obwohl der Großteil aller drei Werke auf Deutsch ist, behielt der "Alabama Song" durchgehend Hauptmanns gebrochene englische Texte bei.

Brecht und Weills Version des Liedes wurde 1927 von der Wiener Schauspielerin und Tänzerin Lotte Lenya, Weills Frau, [2] in der Rolle der Jessie bei den Baden-Badener Festspielen 1927 uraufgeführt Kleiner Mahagonny. Die erste Aufnahme des Liedes - von Lenya für das Plattenlabel Homocord - erschien Anfang 1930 unter dem Titel "Alabama-Song" [3] es wurde im selben Jahr für das Plattenlabel Ultraphon zur Veröffentlichung mit der Leipziger Premiere von 1930 neu aufgenommen Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, obwohl Lenya nicht zu dieser Besetzung gehört. [4] Sie fuhr fort, das Lied ihr ganzes Leben lang aufzuführen und aufzunehmen, einschließlich für ihr Album von 1955 Lotte Lenya singt Kurt Weill (Lotte Lenya singt Kurt Weill), veröffentlicht in den Vereinigten Staaten unter dem Titel Berliner Theaterlieder. [3]

Das Lied wurde 1966 von der Rockgruppe The Doors aufgenommen, die als "Alabama Song (Whisky Bar)" aufgeführt ist. Laut Schlagzeuger John Densmore und Gitarrist Robby Krieger wurde der Song von Keyboarder Ray Manzarek der Gruppe präsentiert und nachdem die anderen Mitglieder mit der Melodie unzufrieden waren, änderten sie ihn. [7] [10] Doors' Coverversion kombiniert Avantgarde, [6] Karnevalsmusikstilistik, [9] mit Psychedelia- und Ska-Inkorporationen. [8] Manzarek spielte Marxophon zusammen mit Orgel und Keyboard-Bass für die Aufnahme. [11]

Leadsänger Jim Morrison änderte Berichten zufolge die zweite Strophe von "Zeig uns den Weg zum nächsten hübschen Jungen" in "Zeig mir den Weg zum nächsten kleinen Mädchen", [12] aber auf dem 1967 Lebe in der Matrix Aufnahme singt er das Original unverändert "next pretty boy". [13]

Personal Bearbeiten

Bowie, ein Brecht-Fan, integrierte das Lied in Isolar II, seine Welttournee 1978. Er schnitt eine Version in Tony Viscontis Studio nach der Europa-Tournee, und 1980 wurde sie als Single veröffentlicht, um das Ende von Bowies Vertrag mit RCA zu beschleunigen.

Mit unkonventionellen Tonartwechseln schien der Track "ausgestattet, jedes Radioprogramm zu stören, bei dem es das Glück hatte, gespielt zu werden". [15] Trotzdem erreichte die Single, unterstützt von einer abgespeckten akustischen Version von "Space Oddity", die im Dezember 1979 aufgenommen wurde, Platz 23 in Großbritannien. Obwohl Bowie wie Morrison auch die "Pretty Boy"-Linie änderte, sang er Weills Originalmelodie.

Bowie würde in einer BBC-Version von Brechts erscheinen Baal, und veröffentlichen Sie eine EP mit Songs aus dem Stück. Er spielte "Alabama Song" wieder auf seiner Sound+Vision Tour 1990 und 2002 Heathen Tour.

Ein im Frühjahr 1978 während der Isolar II Tour aufgenommener Konzertauftritt wurde als Bonustrack auf der Rykodisc-Neuauflage von Bowies Live-Album veröffentlicht Bühne 1991 und auf der 2005er Neuauflage dieses Albums.

Andere Veröffentlichungen Bearbeiten

  • Es wurde im Februar 1980 als B-Seite der japanischen Single "Crystal Japan" veröffentlicht.
  • Die deutsche Veröffentlichung der Single "Ashes to Ashes" im August 1980 hatte "Alabama Song" als B-Seite.
  • 1992 wurde es als Bonustrack auf der Rykodisc-Neuauflage von veröffentlicht Gruselige Monster (und Super Creeps).
  • Es erschien auf der Zusammenstellung Die Singles-Kollektion 1993 und weiter Das Beste von David Bowie 1980/1987 im Jahr 2005.
  • Es war enthalten auf Betreff: Anruf 3, Teil von dem Eine neue Karriere in einer neuen Stadt (1977–1982) Boxset, im Jahr 2017.
  • Der Text "Zeig mir den Weg zur nächsten Whiskybar" steht in der TV-Show an der Wand der Herrentoilette Danke schön es ist in Episode 9 von Staffel 1 "Coach Returns to Action" zu sehen.
  • Im Jahr 2013 erschien die Version des Songs von The Doors in Simon Peggs und Edgar Wrights gemeinsamem Finale der Cornetto-Trilogie, Das Ende der Welt. spielt dieses Lied jeden Freitag kurz vor Mitternacht
  • Die Whiskey-Bar in der Lobby des Watergate Hotels ist nach diesem Lied benannt.
  • Im Internet-Horror-Spiel Sad Satan ist an manchen Stellen eine verlangsamte Version dieses Liedes im Hintergrund zu hören, die dem Hörer beim Abspielen übel werden kann.
  • Der politische Kommentator Billmon nannte seinen Blog Whiskybar das Lied zitieren. Als er die Kommentare schloss, erstellten seine Follower einen weiteren Blog namens Mond von Alabama. [16]

Das Lied wurde oft gecovert:

  • Die Jazzmusiker Eric Dolphy und John Lewis haben aufgenommen Mack the Knife und andere Berliner Theaterlieder von Kurt Weill, ein Album mit Melodien von Kurt Weill aus dem Jahr 1964. "Alabama Song" wurde von einer Band aufgeführt, die aus Dolphy an der Bassklarinette, Lewis am Klavier, Nick Travis an der Trompete, Mike Zwerin an der Posaune, Richard Davis am Kontrabass und Connie Kay bestand Schlagzeug. Die Solobestellung ist Posaune, Klavier und Bassklarinette. Zwerin bat Dolphy, "zu spielen, was [er] über Alabama dachte". An Das leicht respektlose Mitchell-Trio 1964 (der Folk-Bewegung von Greenwich Village), 1964 und 1992. , eine französische Sängerin, coverte das Lied mit Catherine Sauvage auf seiner LP, die 1966 Boris Vian gewidmet war (französischer Text von Boris Vian), einem britischen Jazzmusiker, kennzeichnete das Lied in Auftritten seiner Brass Band in den 1970er Jahren mit Texten von seiner Frau Kate (ehemals Barnard). . Der Song war in einem Medley in ihrer 1977er Live-Show und ihrem Doppelalbum enthalten Endlich leben. , das Lied aus der 1980er EP Computerstaat die deutsche Punkband. , wurde das Lied in den 1980er Jahren von der französischen Sängerin auf Englisch gecovert. Sie änderte den Text in Versen in "Zeig mir den Weg zum nächsten kleinen Dollar" und "Für wenn wir den nächsten kleinen Dollar nicht finden". [17] , eine serbische Rockband nahm eine Version auf ihrem Album von 1982 auf Lisce Prekriva Lisabon. , auf ihrem 1987er Album Lebe bei Ronnie Scott, aufgenommen 1984 im Ronnie Scott's Jazz Club in London.
  • Es wurde von Ralph Schuckelt mit Richard Butler, Bob Dorough, Ellen Shipley und John Petersen auf dem Tribute-Album gecovertLost in the Stars: Die Musik von Kurt Weill. , der italienisch-bulgarische Schauspieler, nahm das Lied 1997 in sein Album auf Ballata di fine millennio[18] 1991: Ute Lemper singt Kurt Weill deckte es auf ihrer Veröffentlichung von 1991 Die jungen Götter spielen Kurt Weill, mit dem Text "Zeig uns den Weg zum nächsten kleinen Mädchen". coverte es als Duett auf ihrer 2019er Skinners Cage LP mit Kontrabass, Violine, Gitarre und Schlagzeug, wobei "Zeige uns den Weg zum nächsten kleinen Mädchen" weggelassen wurde, um den Wandel der modernen Sensibilität widerzuspiegeln. spielte dieses Lied (zusammen mit einigen anderen Brecht/Weill-Liedern) live auf ihr Blues des 20. Jahrhunderts 1996 veröffentlichtes Album. Cover des Songs auf einer Zusammenstellung von Kurt Weills Musik mit dem Titel Septemberlieder – Die Musik von Kurt Weill, veröffentlicht im Jahr 1997. , die japanische Band coverte das Lied auf dem Album Groß, wenn weit, klein, wenn nah im Jahr 2000. deckte das Lied ab, indem es den Text interpretierte und einen neuen Vers hinzufügte. Außerdem wurde das Lied im Rock-Stil vorgetragen. Das Lied wurde auf dem Album veröffentlicht Melodie Kurta Weill'a i coś ponadto (Die Melodien von Kurt Weill und noch etwas mehr) veröffentlicht im Jahr 2001. nahm das Lied auf einem Album auf Das ist neu 2002. coverte den Song 2003 live in einer Show in Berlin Rhapsodie in Bob. ., französischer Sänger (Jacques Higelins Sohn) und Jeanne Cherhal coverten das Lied 2007 auch live beim Muzik'Elles Festival in Meaux (Frankreich). In englischer Sprache, vierhändiges Klavier spielend, wurde ein Video veröffentlicht. und das Palast Orchester of Germany führt das Lied live (als "Moon of Alabama") auf, wenn auch nur die erste Strophe und der Refrain, aufgenommen auf einem Zwei-CD-Set der Carnegie Hall-Performance im November 2007 mit dem Titel Heute Nacht Oder Nie (Heute Nacht oder nie), ein Komponist, Sänger und elektronischer Musiker aus Oakland, Kalifornien, nahm eine Version auf Sport! Chips! Beute! im Jahr 2000. und Gianni Coscia nahm 2005 eine Klarinetten- und Akkordeonversion auf. , ehemaliges Mitglied von Henry Cow, nahm eine Version (sowie mehrere andere Lieder von Bertolt Brecht) auf ihrem Soloalbum von 1986 auf. Angebot und Nachfrage. coverte das Lied auf seinem Album, Ire in Amerika (2008). veröffentlichte 2012 einen kostenlosen Download ihrer Aufnahme. , der Gewinner der sechsten Staffel der italienischen Version von Der x FaktorEr präsentierte am 22. November 2012 eine Tanzversion.
  • Mx.Justin Vivian Bond, der amerikanische Transgender-Singer-Songwriter, hat den Song auf dem Soloalbum von v 2012 gecovert Silberbrunnen. coverte das Lied als Duett mit Gavin Friday bei ihrer Show in Dublin am 18. Juli 2013.

Linda van Dyck führte es am 10. Mai 1972 in der schwedischen Fernsehsendung Forsta Samlek auf.


Bertolt Brecht

Eugen Berthold Friedrich Brecht [1898-1956] war ein bekannter deutscher Dramatiker und Theaterregisseur, aber er schrieb auch einige erstaunliche Gedichte. Seine ersten Gedichte wurden mit 16 veröffentlicht und er schrieb im Laufe seines Lebens Hunderte von Gedichten. Seine Poesie wurde von Volksballaden und Liedern sowie der Poesie von Rimbaud und Villon beeinflusst.

Bertolt Brechts Genie war in erster Linie ein Dichter für die Sprache. Da diese Sprache jedoch auf einer gewissen kühnen und direkten Einfachheit aufbaut, verlieren seine Stücke bei der Übersetzung aus seiner deutschen Muttersprache oft etwas. Dennoch enthalten sie eine seltene poetische Vision, eine Stimme, die im 20. Jahrhundert selten zu finden war. Brecht wurde von einer Vielzahl von Quellen beeinflusst, darunter chinesisches, japanisches und indisches Theater, die Elisabethaner (insbesondere Shakespeare), griechische Tragödie, Büchner, Wedekind, Jahrmarktsveranstaltungen, das bayerische Volksspiel und viele mehr. Eine so große Vielfalt an Quellen mag für einen kleineren Künstler überwältigend gewesen sein, aber Brecht hatte die unheimliche Fähigkeit, Elemente aus scheinbar unvereinbaren Quellen zu nehmen, sie zu kombinieren und sich zu eigen zu machen.

In seinen frühen Stücken experimentierte Brecht mit Dada und Expressionismus, aber in seinem späteren Werk entwickelte er einen Stil, der seiner eigenen einzigartigen Vision besser entsprach. Er verabscheute das "aristotelische" Drama und seine Versuche, den Zuschauer in eine Art Trance-ähnlicher Zustand zu locken, eine totale Identifikation mit dem Helden bis zur völligen Selbstvergessenheit, was zu Schreckens- und Mitleidsgefühlen und schließlich zu einem emotionale Katharsis. Er wollte nicht, dass sein Publikum Emotionen empfand – er wollte, dass es nachdachte – und zu diesem Zweck beschloss er, die theatralische Illusion und damit diesen tranceartigen, tranceartigen Zustand zu zerstören, den er so verachtete.

Das Ergebnis von Brechts Forschungen war eine Technik, die als "Verfremdungseffekt" oder "Verfremdungseffekt" bekannt ist. Es wurde entwickelt, um das Publikum zu ermutigen, seine kritische Distanz zu bewahren. Seine Theorien führten zu einer Reihe "epischer" Dramen, darunter Mutter Courage und ihre Kinder, die die Geschichte einer reisenden Kauffrau erzählt, die ihren Lebensunterhalt verdient, indem sie mit ihrem Planwagen der schwedischen und kaiserlichen Armee folgt und ihnen Vorräte verkauft: Kleidung, Lebensmittel , Schnaps usw. Als der Krieg aufgeheizt wird, stellt Mutter Courage fest, dass dieser Beruf sie und ihre Kinder in Gefahr gebracht hat, aber die alte Frau weigert sich hartnäckig, ihren Wagen aufzugeben. Mutter Courage und ihre Kinder waren für Brecht Triumph und Misserfolg zugleich. Obwohl das Stück ein großer Erfolg war, gelang es ihm nie, bei seinem Publikum die nüchterne, analytische Resonanz zu erzielen, die er sich wünschte. Das Publikum ist immer wieder von der Not der sturen alten Frau berührt.

In Galileo malt Brecht ein Porträt eines leidenschaftlichen und gequälten Mannes. Galilei hat herausgefunden, dass die Erde nicht der Mittelpunkt des Universums ist, aber obwohl der eigene Astronom des Papstes diese welterschütternde Offenbarung bestätigt hat, hat ihm die Inquisition verboten, seine Ergebnisse zu veröffentlichen. Acht Jahre lang hält Galileo seinen Mund. Schließlich steigt ein neuer, für seine Aufklärung bekannter Papst zum Papst auf, und Galilei sieht seine Chance. Aber der Großinquisitor lauert im Hintergrund und plant, das Werk des großen Astronomen zu zerstören.

Brecht schrieb eine Reihe moderner Meisterwerke, darunter The Good Person of Szechwan und The Caucasian Chalk Circle. Am Ende bewegte sich Brechts Publikum hartnäckig zu Schrecken und Mitleid. Seine Experimente scheiterten jedoch nicht. Seine dramatischen Theorien haben sich auf der ganzen Welt verbreitet und er hinterließ eine Gruppe engagierter Schüler, die heute als "Brechtianer" bekannt sind und seine Lehren weiter verbreiten. Zum Zeitpunkt seines Todes plante Brecht ein Theaterstück als Reaktion auf Samuel Beckets Warten auf Godot.


Brecht der Marxist

Ende der 1920er Jahre wurde Brecht Marxist. Wie der frühe Marx war seine Kapitalismuskritik nicht antikapitalistisch, sondern postulierte ihn als materielle Kraft, als Motor, der zu immer komplexeren Produktionsverhältnissen führt. Dennoch gibt es eine idealistische Kontinuität im marxistischen utopischen Denken, die auch der Brechts eigenen entspricht. Es geht davon aus, dass alle aufgrund einer grundlegenden Klassenidentität die Interessen des imaginierten Kollektivs teilen, während die hochdifferenzierten Interaktionen in einer solchen sozialen Konstellation eine viel komplexere Überschneidung von Bedürfnissen, Anforderungen, Ängsten und Sehnsüchten suggerieren.

Auch Brecht bestand auf einer politischen und soziologischen Definition von Klasse als primärer oder hegemonialer Artikulation von Subjektidentität. Aber er war sich anderer Elemente der Komplexität des Themas nicht bewusst. His entire poetic model, for example, undermines the strong tradition in Marxist understanding of the dialectic as a movement towards the resolution of contradictions.

His evolving definition of the Epic Theater in the 1930s — with its separation of theatrical elements such as music, text, and sets and its stress on the interruptive quality of the fragment or montage owing to its openness to the audience — as well as his later 1950s revision of the “confabulating” audience in what he called the Dialectical Theater are examples of his view of contradiction as a productive moment rather than one of closure.

Moreover, Brecht’s reformulation of the collective as a community’s intersubjective “living together” stresses the positionality of the subjects who are constantly producing themselves wie subjects through conflict and contradiction with one another. Clearly, he understood the idea of the subject as construction.

Brecht was no rosy-eyed utopian, but an artist-intellectual who developed his critical faculties through the experience of political reversals and historical ruptures. The collapse of the Soviet Union and the ossified socialism identified with it is a powerful indictment of traditional left utopianism. But Brecht’s project of a more just, egalitarian society never sought to provide answers on how to make the world better. Rather, his writings are scripts for how to ask questions, how to formulate the right questions for a given situation that is untenable and therefore must be changed.

While Brecht believed in the power of reason that enables people to recognize the problems around them and to solve them, he was neither a narrow-minded rationalist nor a naive believer in the inevitability of progress and human emancipation. Thus, his critique of emotions, which is frequently misunderstood or implemented as a dramaturgy of “coldness,” was not directed against feeling or spontaneity as such but rather against the function of emotions in traditional theater. Like interventionist thinking, Brecht’s belief in reason is a functional concept that enables individuals to determine their interest and to act on its behalf, in other words, a principle of reasoned action excluding neither passion nor emotion.


Inhalt

Prologue Edit

Brecht, in his typical anti-realist style, uses the device of a "play within a play". The "frame" play is set in the Soviet Union around the end of the Second World War. It shows a dispute between two communes, the Collective Fruit Farm Galinsk fruit growing commune and the Collective Goat Farmers, over who is to own and manage an area of farm land after the Nazis have retreated from a village and left it abandoned. A parable has been organised by one group, an old folk tale, to be played out to cast light on the dispute. The Singer, Arkadi Tcheidse, arrives with his band of musicians, then tells the peasants the parable, which forms the main narrative, and intertwines throughout much of the play. The Singer often takes on the thoughts of characters, enhances the more dramatic scenes with stronger narration than simple dialogue, and is responsible for most scene and time changes. Often the role is accompanied by several "musicians" (which incorporate music into the play itself) that help the Singer keep the play running smoothly. At the end he states that the land should go to those who will use it most productively, the fruit growers, and not those who had previous ownership.

Scene one: The Noble Child Edit

The Singer's story begins with Governor Georgi Abashwili and his wife Natella blatantly ignoring the citizens on the way to Easter Mass. The Singer shows us the show's antagonist, Arsen Kazbeki, the Fat Prince. He sucks up to the pair and remarks how their new child Michael is "a governor from head to toe." They enter the church, leaving the peasants behind. Next to be introduced is the heroine Grusha Vashnadze, a maid to the governor's wife. Grusha, while carrying a goose for the Easter meal, meets a soldier, Simon Shashava, who reveals he has watched her bathe in the rivers. She storms off enraged.

The Singer continues the story as the soldier contacts two architects for the Governor's new mansion, the Ironshirts, gestapo-esque guards, turn on him. The Fat Prince has orchestrated a coup and is now in control. The Governor is quickly beheaded. Simon finds Grusha and proposes, giving her his silver cross. Grusha accepts. Simon runs off to fulfill his duty to the Governor's wife, who has been foolishly packing clothing for the "trip", caring nothing for the loss of her husband. She is carried off, away from the flaming city of Nuhka and inadvertently leaves her son, Michael, behind. Grusha is left with the boy and, after seeing the Governor's head nailed to the church door, takes him with her to the mountains. Music is often incorporated throughout much of this scene with the aid of the Singer, musicians, and possibly Grusha, as Brecht includes actual "songs" within the text.

Scenes two and three: Flight into the Northern Mountains/In the Northern Mountains Edit

The Singer opens the scene with an air of escape. At the beginning of this act Grusha is seen trying to escape but has to stop to get milk for the baby, Michael, and is forced to buy vodka expensively from an old man who claims his goats have been taken away by the soldiers. This encounter slows her and she is followed shortly by the Ironshirts. Grusha then finds a home for Michael to stay in. Abandoning him on the doorstep, he is adopted by a peasant woman. Grusha has mixed emotions about this, which change when she meets a perverted Corporal and Ironshirts who are looking for the child. He suspects something about her, and Grusha is forced to knock him out to save Michael. She wearily retreats to her brother's mountain farm. Lavrenti, Grusha's brother, fabricates a story to his jealous wife Aniko, claiming that Michael Abashwili is Grusha's child and she is on her way to find the father's farm.

Grusha catches scarlet fever and lives there for quite some time. Rumours spread in the village, and Lavrenti convinces Grusha to marry a dying peasant, Jussup, in order to quell them. She reluctantly agrees. Guests arrive at the wedding–funeral, including the Singer and musicians, which act as the hired musicians for the event, and gossip endlessly. It is revealed that the Grand Duke is overthrowing the princes and the civil war has finally ended, and no one can be drafted anymore. At this, the supposedly dead villager Jussup returns to "life", and it becomes clear he was only "ill" when the possibility of being drafted was present. Grusha finds herself married. For months, Grusha's new husband tries to make her a 'real wife' by consummating the marriage, but she refuses.

Years pass, and Simon finds Grusha while washing clothes in the river. They have a sweet exchange before Simon jokingly asks if she has found another man. Grusha struggles to tell him she has unwillingly married, then Simon spots Michael. The following scene between the two is told predominantly by the Singer, who speaks for each of the two characters. However, Ironshirts arrive carrying Michael in, and ask Grusha if she is his mother, she says that she is, and Simon leaves distraught. The Governor's Wife wants the child back and Grusha must go to court back in Nukha. The Singer ends the act with questions about Grusha's future, and reveals that there is another story we must learn: the story of Azdak. If an intermission is used, this is generally where it is placed.

Scene four: The Story of the Judge Edit

The scene opens as if a different play entirely, yet set within the same war setting, is beginning. The Singer introduces another hero named Azdak. Azdak shelters a "peasant" and protects him from authorities by a demonstration of convoluted logic. He later realises that he sheltered the Grand Duke himself since he thinks the rebellion is an uprising against the government itself, he turns himself in for his "class treason". But the rebellion isn't a populist one – in fact, the princes are trying to suppress a populist rebellion occurring as a result of their own – and Azdak renounces his revolutionary ideas to keep the Ironshirts from killing him as a radical.

The Fat Prince enters, looking to secure the Ironshirts' support in making his nephew a new judge. Azdak suggests they hold a mock trial to test him the Fat Prince agrees. Azdak plays the accused in the trial – the Grand Duke. He makes several very successful jabs against the Princes' corruption, and amuses the Ironshirts enough that they appoint him instead of the Fat Prince's nephew: "The judge was always a chancer now let a chancer be the judge!"

Azdak remains himself on the bench. He uses a large law book as a pillow to sit on. What follows is a series of short scenes, interspersed by the "song" of the Singer, in which he judges in favor of the poor, the oppressed, and good-hearted bandits in one set of cases in which all the plaintiffs and the accused are corrupt, he passes a completely nonsensical set of judgments. But it doesn't last forever the Grand Duke returns to power, the Fat Prince is beheaded, and Azdak is about to be hanged by the Grand Duke's Ironshirts when a pardon arrives appointing "a certain Azdak of Nuka" as a judge in gratitude for "saving a life essential to the realm", i.e. the Grand Duke's own. "His Honour Azdak is now His Honour Azdak" the wife of the beheaded governor instantly dislikes him, but decides he'll be needed for the trial in which she'll recover her son from Grusha. The act closes with Azdak obsequious and afraid for his life, promising to restore Michael to the Governor's Wife, behead Grusha, and do whatever else the Governor's Wife wants: "It will all be arranged as you order, your Excellency. As you order."

Scene five: The Chalk Circle Edit

We have returned to Grusha's story. We meet Grusha in court, supported by a former cook of the Governor and Simon Shashava, who will swear he is the father of the boy. Natella Abashvili comes in with two lawyers, who each reassure her things will be taken care of. Azdak is beaten by Ironshirts, who are told he is an enemy of the state. A rider comes in with a proclamation, stating the Grand Duke has reappointed Azdak as judge. Azdak is cleaned up and the trial begins. The trial, however, does not begin with Grusha and the Governor's wife, but with a very elderly married couple who wish to divorce. Azdak is unable to make a decision on this case, so he sets it aside to hear the next case on the docket.

The prosecution comes forth and liberally bribes Azdak in hopes of swinging the verdict. It is revealed that Natella only wants the child because all the estates and finances of the Governor are tied to her heir and cannot be accessed without him. Grusha's defence does not go over well, as it develops into her and Simon insulting Azdak for taking bribes. Azdak fines them for this but, after consideration, claims he can't find the true mother. He decides that he will have to devise a test. A circle of chalk is drawn, and Michael is placed in the centre. The true mother, Azdak states, will be able to pull the child from the centre. If they both pull, they will tear the child in half and get half each. The test begins but (akin to the Judgment of Solomon) Grusha refuses to pull as she cannot bear to hurt Michael. Azdak gives her one more chance, but again she cannot pull Michael. During this dilemma, a poignant song is sung by the Singer as a reflection of Grusha's thoughts toward Michael. The others onstage cannot hear this, but they feel the overwhelming emotion through Grusha. Azdak declares that Grusha is the true mother, as she loves Michael too much to be able to hurt him. The Governor's wife is told that the estates shall fall to the city and be made into a garden for children called "Azdak's Garden". Simon pays Azdak his fine. Azdak tells the old couple he shall divorce them, but "accidentally" divorces Grusha and the peasant man, leaving her free to marry Simon. Everyone dances off happily as Azdak disappears. The Singer remarks upon Azdak's wisdom and notes that in the ending, everyone got what they deserved.

Musik bearbeiten

Brecht wrote a number of 'songs' as part of the piece, and one of its main characters is called the Sänger. In 1944 the production was scored by Paul Dessau. Though there is no officially published score, the show is generally played with original music and songs performed by the cast. Many composers have created unique original scores for The Caucasian Chalk Circle. One score performed regularly is by American composer Mark Nichols, who based his music on traditional Georgian folk harmonies in polyphony. Georgian composer Giya Kancheli made an iconic score for the production of Rustaveli Theatre in Tbilisi.

Brecht made a crucial change from the Chinese play which was his source. In it, it is the child's birth mother who lets go and wins custody of the child. Near the end of the prologue, the Singer says that this is an old story of Chinese origin, but with a modern re-write.

The play is sometimes played without the prologue, and it was always played that way in the US during the McCarthy era. [ Zitat benötigt ] (The first US production to include the prologue was in 1965.) There is some dispute about how integral the prologue is to Brecht's conception of the play. Some claim that he regarded it as an integral part of his play, and it was present in the earliest drafts. [2] Others claim that it was only included in later drafts. [3] However, there is agreement that he originally intended to set in the 1930s, but later updated it.

The setting of the play is clearly Georgia in the Caucasus, although it is described as "Grusinia" (a Russian variant name) in the main play. Most of the characters have Georgian (or Georgian-like) names, and Tiflis and the poet Mayakovsky are mentioned in the prologue. [4] However the city where much of the action takes place, Nuka, is in modern Azerbaijan, although it was under Georgian rule for a time in the Middle Ages. There are also Iranian elements in the play, including the name of the character Azdak, who says he comes from there. [5]

Brecht did not necessarily intend his play to be a realistic portrayal of either contemporary or medieval Georgia. Even in the Soviet Union, some people found it more German than Russian or Georgian, and pointed out that it did not accurately portray the decision-making procedures in Soviet agriculture. [3]


LITERATURVERZEICHNIS

Primäre Quellen

Brecht, Bertolt. Brecht on Theatre: The Development of an Aesthetic. Edited and translated by John Willett. New York, 1964. Translations of various writings on Epic Theatre, among them "The Short Organum for the Theatre," with editorial notes.

——. The Messingkauf Dialogues. Translated by John Willett . London, 1965.

——. Werke: Grosse kommentierte Berliner und Frankfurter Ausgabe. 30 volumes. Berlin and Frankfurt, 1988–2000.

Sekundäre Quellen

Hecht, Werner. Brecht Chronik. Frankfurt, 1997. The most comprehensive collection of data, professional and personal facts from Brecht's life.

Mews, Siegfried, ed. A Bertolt Brecht Reference Companion. Westport, Conn., 1997. A collection of essays that deal with Brecht's work and its reception by the world theater.

Thomson, Peter, and Glendyr Sacks, eds. The Cambridge Companion to Brecht. Cambridge, U.K., 1994. A collection of assessments of all aspects of Brecht's work, as a writer as well as a stage director and theoretician of the theater.

Willett, John. The Theatre of Bertolt Brecht. London, 1959. The seminal work on Brecht's theater, commenting on plays as well as on his directorial practice as it was observed by the author in Berlin.

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"Brecht, Bertolt (1898–1956) ." Encyclopedia of Modern Europe: Europe Since 1914: Encyclopedia of the Age of War and Reconstruction. . Encyclopedia.com. 18 Jun. 2021 < https://www.encyclopedia.com > .

"Brecht, Bertolt (1898–1956) ." Encyclopedia of Modern Europe: Europe Since 1914: Encyclopedia of the Age of War and Reconstruction. . Encyclopedia.com. (June 18, 2021). https://www.encyclopedia.com/history/encyclopedias-almanacs-transcripts-and-maps/brecht-bertolt-1898-1956

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Bemerkungen:

  1. Tygot

    Es macht keinen Sinn.

  2. Sobk

    Frohe Weihnachten gratuliere,

  3. Negore

    siehe da !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

  4. Lyall

    Ich entschuldige mich für die Störung ... Ich verstehe dieses Problem. Bereit zu helfen.

  5. Lorineus

    Ich bitte um Verzeihung, die interveniert hat ... bei mir eine ähnliche Situation. Ich lade zur Diskussion ein.

  6. Tum

    Das ist Unsinn.

  7. Norvin

    Moskau wurde nicht sofort gebaut.



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